Pictură monocromă: caracteristici, exemple

2024 Autor: Leah Sherlock | [email protected]. Modificat ultima dată: 2023-12-17 05:47

Artiștii au observat de mult că culoarea poate fi folosită pentru a evoca răspunsuri emoționale puternice în oameni. Artiști precum Van Gogh au fost inspirați de acest lucru pentru a crea capodopere pline de multe culori. Cu toate acestea, alți artiști cred altfel. Ei se străduiesc să creeze o capodopera folosind o singură culoare.

Definiție

Pictura monocromă este o operă de artă pictată cu o singură culoare. De fapt, cuvântul „monocrom” înseamnă literal „o culoare”. Aceasta este o abordare diferită a artei, dar este folosită mult mai pe scară largă decât cred majoritatea oamenilor.

Tehnica

Cum se creează un tablou dacă se folosește o singură culoare? Cheia acestui lucru este că, de exemplu, albastrul și verdele sunt culori diferite, dar bleumarin și cyan nu sunt diferite; sunt doar nuante de aceeasi culoare. Albul poate fi adăugat la culoarea de bază, făcând-o mai deschisă. Teoretic, acest lucru poate fi continuat până când se obține un alb aproape pur. În același timp, culoarea poate fi întunecată prin adăugarea de negru. Astfel artiștiipoate picta o imagine întreagă, constând din linii, elemente și forme în diferite nuanțe, care din punct de vedere tehnic sunt o pictură într-o singură culoare.

De ce să folosiți tehnica de pictură monocromă

Artiștii știu cât de profund se reflectă culoarea în emoțiile umane. Picturile monocromatice au devenit modalități puternice de a provoca experiențe personale profunde, încurajând și mai mult artiștii să exploreze emoția și spiritualitatea prin arta monocromă.

Artiștii își reduc paleta de culori din mai multe motive, dar mai ales este o modalitate de a concentra atenția spectatorului asupra unui anumit subiect, concept sau tehnică. Fără toate complexitățile de lucru în culoare, devine posibil să experimentezi forma, textura, semnificația simbolică.

Pictura monocromă în negru, alb și gri se mai numește și grisaille.

Dezvoltare direcție

Cele mai vechi lucrări de artă occidentală care au supraviețuit realizate în grisaille au fost create în Evul Mediu. Ele au fost concepute pentru a elimina toate distragerile și pentru a concentra mintea. Pe măsură ce culoarea pătrunde în viața de zi cu zi, alb-negru poate semnala o tranziție către lumea ceal altă sau poate avea un context spiritual.

Pentru unii, culoarea era un fruct interzis și interzis de ordinele religioase care practicau o formă de asceză estetică. De exemplu, vitraliul în tehnica grisaille a fost creat de călugării cistercieni în secolul al XII-lea ca alternativă la ferestrele luminoase ale bisericii, cu translucidele sale.panouri cenușii, cu imagini pictate uneori în negru și galben. Ușoară și elegantă ca aspect, grila ferestrei de sticlă a câștigat popularitate în afara ordinului și a devenit în cele din urmă modelul în multe biserici franceze.

Studii de lumini și umbre

Din secolul al XV-lea, artiștii au pictat în alb-negru pentru a face față provocărilor pe care le prezintă subiectele și compozițiile pe care le înfățișează. Eliminarea culorilor permite artiștilor să se concentreze asupra modului în care luminile și umbrele cad pe suprafața unei figuri, a unui obiect sau a unei scene înainte de a trece pe o pânză plină de culoare.

picturi Grisail

Din ce în ce mai mult, picturile în grisaille au început să apară ca opere de artă independente.

Sfânta Barbara a lui Jan van Eyck (1437, Muzeul Regal de Arte Frumoase Anvers) este cel mai vechi exemplu cunoscut de lucrare monocromă pe panou pictat cu cerneală indiană și ulei.

De secole, artiștii s-au provocat să imite aspectul sculpturii în piatră în pictură. Europa de Nord avea un gust pentru elementele decorative iluzorii, cum ar fi picturile decorative murale și tencuiala sculptată. Cel mai mare succes în această practică a fost obținut de artistul Jacob de Wit. Lucrarea lui ar putea fi ușor confundată cu un relief de perete tridimensional.

Abstracție

Artiștii abstracti apelează adesea la pictura monocromă. Când artiștii au acces la tot ce este posibilnuanțe, lipsa culorii poate fi cu atât mai șocantă sau mai provocatoare de gândire. În 1915, artistul Kievan Kazimir Malevich a pictat prima versiune a revoluționarului său Piața Neagră și a anunțat că este începutul unui nou tip de artă nereprezentativă. Lucrarea lui Josef Albers, Ellsworth Kelly, Frank Stella și Cy Tumbley ilustrează utilizarea culorii minime pentru un impact maxim.

Artiștii intrigați de teoria culorilor și de efectele psihologice ale culorii (sau lipsa acestora) manipulează lumina, spațiul și nuanța pentru a evoca un răspuns specific din partea privitorului.

Pictură cu cerneală

Acest tip de artă îi permite artistului să creeze zone pronunțate de contrast. În cele mai multe cazuri, pictura cu cerneală este aplicarea de cerneală neagră pe o suprafață albă, rezultând acest contrast. Pentru a crea tranzițiile necesare la umbrire, se folosește metoda de aplicare a mai multor straturi. Astfel de metode includ, de exemplu, diferite tipuri de hașurare.

Pictură monocromă a Japoniei

Acest tip de artă provine din China. În acest context cultural, filozofic și artistic s-a născut pictura monocromă.

Dintre toate artele din China, pictura este cea mai importantă, ea dezvăluie secretul universului. Se bazează pe o filozofie fundamentală, taoismul, care prezintă concepte clare despre cosmologie, destinul omului și relația dintre om și univers.

Pictura este aplicarea acestei filozofii, deoarece pătrunde în misterele universului.

În mod tradiționalPictura chineză are patru subiecte principale care sunt fundamental aceleași în pictura japoneză: peisaje, portrete, păsări și animale, flori și copaci.

În Japonia, în timpul erei Kamakura (1192-1333), puterea a fost luată de războinici (samurai). În această epocă, datorită pelerinajului călugărilor în China și comerțului lor acolo, un număr mare de picturi au fost aduse în Japonia. Acest fapt a influențat foarte mult artiștii care lucrau în temple comandate de patroni și colecționari de artă (shoguni).

Importul nu numai că a inspirat o schimbare a subiectului, dar a promovat și o utilizare inovatoare a culorii: yamato-e (pictura cu rulouri lungi din secolele IX-X) a fost înlocuită cu tehnici monocrome chinezești.

Uimitoarele lucrări ale marilor maeștri și pictori budiști din dinastiile Tang și Song, picturi scrise cu cerneală neagră chinezească, au fost numite suibok-ga sau sumi-e în Japonia (sfârșitul secolului al XIII-lea). Acest stil de pictură a fost inițial monopolizat de budiștii Zen și apoi adoptat de călugări și artiști impregnați de acest spirit, iar pentru multă vreme pictura cu cerneală neagră și pictura Zen (Zenga) au fost practic inseparabile.

Cel mai mare maestru sumi al acestei perioade este Sesshu Toyo (1420-1506), un călugăr din Kyoto care a studiat pictura cu cerneală în China. Sesshu a fost singurul artist care a asimilat baza filozofică a acestui gen de pictură și a întruchipat-o cu un spirit original în temele și limbajul artistic japonez, precum și în raport cu reprezentările spațiale ale chinezei.artiști ai vremii.