Baletul rusesc al lui Dyaghilev: istorie, fapte interesante, repertoriu și fotografii

2024 Autor: Leah Sherlock | [email protected]. Modificat ultima dată: 2023-12-17 05:47

„Virtutea lui absolut pură a fost devotamentul lui pentru artă, care ardea de foc sacru”, a spus vedeta de balet rusă T. Karsavina despre Serghei Diaghilev.

Născut la începutul secolelor al XIX-lea și al XX-lea, Serghei Diaghilev a reușit să schimbe fundamental coregrafia baletului, să reînvie canoanele sale de nezdruncinat și să creeze o cultură diferită a costumelor și a decorului. Odată cu apariția lui Diaghilev a apărut în artă conceptul „Baletul lui Diaghilev” și întreprinderea de balet.

Sezoane rusești în Europa

Istoria apariției „Anotimpurilor rusești” în Europa începe în 1906. Atunci Serghei Diaghilev, pregătind o expoziție de artă pentru Salonul de toamnă de la Paris, a decis să organizeze evenimente de amploare pentru a familiariza mai pe larg publicul european cu arta rusă.

La început a fost ideea de a ține „istoric rusescconcerte", aduse strălucit la viață. Concertele au avut loc în 1907 și au constat în capodopere ale muzicii ruse din secolul al XIX-lea și începutul secolului al XX-lea. Și în sezonul următor, în 1908, a fost prezentată la Paris opera lui M. Mussorgsky "Boris Godunov" cu Fyodor Chaliapin în rol principal.

Primul sezon de operă și balet a fost organizat de Diaghilev în 1909.

Așa că a început procesiunea triumfală a „Anotimpurilor rusești” în străinătate. Spectacolele au fost organizate pe principiul unei întreprinderi, adică nu cu o trupă permanentă de actori, ci cu invitația celor mai buni soliști din diverse teatre rusești, cei mai buni artiști pentru a proiecta costume și decoruri pentru spectacole.

Aceasta a fost o adevărată revelație pentru publicul teatrului din Paris. Până la Primul Război Mondial, sezoanele au fost organizate anual cu un succes copleșitor.

Baletul lui Dyaghilev, afiș foto pentru sezonul 1911.

Origini: pasiunea familiei pentru arte

Data nașterii lui Serghei Diaghilev - 31 martie 1872. Locul nașterii: un sat din provincia Novgorod numit Selișchi. Viitorul maestru a apărut în familia unui nobil și ofițer ereditar Pavel Diaghilev.

Copilăria lui Sergey a trecut mai întâi la Sankt Petersburg, iar apoi familia s-a mutat la Perm, unde au locuit soții Diaghilev până când fiul lor a absolvit gimnaziul din Perm. Casa primitoare a soților Diaghilev din Perm a fost decorată cu gravuri originale ale lui Raphael, Rubens și Rembrandt, cataloage ale tuturor muzeelor europene de top aglomerate pe rafturi.

Aici au avut loc seri literare și muzicale. Fiul a însoțitpian la duetul tatălui și mamei vitrege. Într-un cuvânt, nu o casă, ci centrul vieții culturale a provinciei.

Atmosfera creativă și creativă din casă a contribuit la apariția unei veritabile pofte de artă, a dorinței de a servi muzele din tânărul Serghei Diaghilev.

Realizări din Petersburg

În anii 90 ai secolului al XIX-lea, s-a întors la Sankt Petersburg, unde s-a cufundat în studiul diverselor științe: a intrat în același timp la conservator și la facultatea de drept.

Cu toate acestea, o natură activă necesita activități mai interesante. La Sankt Petersburg, Serghei Diaghilev se cufundă complet în viața artistică a capitalei, neglijând jurisprudența și studiile sub îndrumarea lui Rimski-Korsakov.

Activitatea și entuziasmul tinerilor au făcut o faptă bună, permițându-i tânărului să dea dovadă de abilități organizatorice remarcabile.

Sitându-și un scop nobil - de a arăta publicului interesat noua artă artistică rusă, organizează câteva expoziții strălucitoare ale artiștilor contemporani și apoi necunoscuți. Pentru dreptate, trebuie remarcat faptul că aceste expoziții au fost adesea un prilej de glume ale folitoniștilor și predici furioase ale criticilor de artă.

Dar curând, în ciuda atacurilor și ridicolului, și poate datorită expozițiilor scandaloase, întreg Petersburgul a început să vorbească despre Diaghilev.

Cu sprijinul cunoscutilor patroni Savva Morozov și Maria Klavdievna Tenisheva, el și artistul Alexander Benois devin editori ai revistei World of Art. Motto-ul revistei este „Artă, pură și liberă”.

Acest motto de mulți ani devine pentru Diaghilevși principiile vieții. Printre artiștii revistei se numărau Ilya Repin, Lev Bakst, Isaac Levitan, Valentin Serov și alți artiști ruși celebri în viitor. Apariția unei adevărate echipe de oameni cu gânduri asemănătoare, uniți de industria editorială, a dovedit încă o dată că Serghei Diaghilev nu este o persoană întâmplătoare în artă și este solicitat de vremea în sine.

Numărul revistei „Lumea artei” a fost primul pas către viitorul mare „Anotimpuri rusești”. Pentru că a fost un proiect care urmărește obiective educaționale și dedicat atât culturii ruse, cât și occidentale, reunind toate formele de artă modernă și contemporană.

„Anotimpurile rusești” și „Baletul rusesc”: care este diferența

Înainte de a vorbi în continuare despre baletul rus al lui Diaghilev, este necesar să se separe conceptul de „Anotimpuri rusești” de conceptul de „Baletul rusesc” în sensul în care Diaghilev a înțeles aceste domenii ale artei rusești.

Pentru Serghei Pavlovici Diaghilev, „Anotimpurile rusești”, ca fenomen nou în artă, a avut loc sau a început în 1906, tocmai prin ei, ca prin repere, și-a măsurat activitățile, și-a sărbătorit aniversările, a indicat numerele anotimpurilor pe afișe.

„Anotimpurile rusești” a inclus expoziții de artă, concerte, operă și mai târziu balet.

Fenomenul „Baletul rusesc al lui Dyaghilev” este asociat cu întreprinderea de balet și apariția unor spectacole, studii și numere de balet neobișnuite - ca parte a programelor „Anotimpurile rusești”, începând cu 1909.

Oficial, prima reprezentație a „Baletului rus” a avut loc în aprilie 1911 la Monte Carlo, această dată fiind considerată data nașterii tradiției de a prezenta balet în străinătate.

În Talent Fellowship

Triumful primului sezon al baletului rusesc al lui Diaghilev din 1909 a fost predeterminat: munca și eforturile comune ale multor oameni talentați și chiar geniali nu se pot risipi.

Hotărând să înceapă pregătirea pentru sezon, S. Diaghilev a cerut ajutor de la prima balet rusesc de atunci - Matilda Kshesinskaya. Era aproape de curtea imperială. Viitorul împărat Nicolae al II-lea, încă singur pe atunci, era îndrăgostit de ea. Datorită eforturilor balerinei, lui Diaghilev i s-a promis o mare subvenție de 25.000 de ruble și posibilitatea de a ține repetiții în Schit.

Obiectivul pentru Diaghilev și o echipă de oameni asemănători nu a fost simplu: să creeze un tip de balet calitativ diferit, în care un rol special să fie atribuit părților masculine, costumelor și decorului. În efortul de a realiza „unitatea concepției artistice și a abilităților interpretative”, Diaghilev a implicat literalmente toți viitorii participanți la discuția despre materialul de producție: compozitori, artiști, coregrafi… Toți împreună au venit cu intrigi, au discutat despre natura muzică și dans, costume și peisaje viitoare. Rezultatul este o sinteză unică de inovație și profesionalism în coregrafie, pictură, muzică.

Totodată, Diaghilev începe să recruteze o trupă, în care invită cei mai buni balerini de la teatrele Mariinsky și Bolșoi. A răspuns invitației antreprenoarei: Anna Pavlova, MatildaKshesinskaya, Mihail Fokin cu soția sa Vera, Ida Rubinstein, Serafima Astafyeva, Tamara Karsavina, Vatslav Nijinsky, Vera Koralli, Alexander Monakhov, Mihail Mordkin și alți dansatori.

Costumi și scenografi: Leon Bakst, Alexander Benois, Nicholas Roerich.

„Anotimpurile rusești” Diaghilev, trupa de balet în culise.

obstacole „sezoniere”

Nu totul a mers bine când am pregătit primele spectacole de balet pentru anotimpurile rusești.

În toiul repetițiilor a apărut interdicția de a continua ținerea lor în Schit, iar subvenția a fost și ea închisă. Ultimul punct de fierbere a fost refuzul de a oferi costume și decor de către Teatrul Mariinsky.

Au fost mai multe motive care au cauzat aproape sfârșitul lucrărilor la „sezoane”. În primul rând, a murit prințul Vladimir Alexandrovici, patronul lui Diaghilev. Și în al doilea rând, Matilda Kshesinskaya a fost jignită de antreprenor pentru că a primit un rol minor în baletul „Pavilion of Artemis” în loc de rolurile principale așteptate.

Apropo, Diaghilev a fost ferm în alegerea actorilor principali pentru rolurile principale, aceasta este o mare „viziune” a artistului, când toate meritele actuale sau anterioare ale artistului în acest context s-au dovedit a fi neputincios. A existat o poveste similară în sezonul în care „Lebăda pe moarte” a fost prezentată pe muzica compozitorului necunoscut de atunci Saint-Saens. Inițial, coregraful Mikhail Fokine a implicat-o pe soția sa Vera Fokina în dans, dar Diaghilev a spus că poate dansa lebadanumai Pavlova. Drept urmare, timp de câteva decenii, lumea a primit un dans uimitor de expresiv interpretat de Anna Pavlova, iar impresarul, ca întotdeauna, s-a dovedit a avea dreptate.

Baletul lui Dyaghilev la Paris: Anna Pavlova ca o lebădă rănită. Zona de burtă a costumului de balerină este decorată cu un rubin imens, simbolizând sângele dintr-o rană.

Penele de pe costum și coafură sunt naturale, asemănătoare lebădă.

Baletul lui Dyagilev: costumele pentru spectacole au fost decorate cu bijuterii naturale, brodate cu modele. În decor au fost folosite și diverse materiale naturale.

Revenind la povestea despre pregătirile pentru deschiderea Baletului rus Diaghilev în 1909, trebuie să ne amintim și faptul că directorul tuturor teatrelor imperiale, Teliakovsky, a creat obstacole suplimentare. De fapt, combinația de dificultăți care a apărut a oferit un eșec răsunător pentru anotimpurile rusești.

Dar eșecul nu a avut loc: Diaghilev a fost ajutat de vechi prieteni și patroni. Prințul Argutinsky-Dolgorukov și contesa Maria (Misya) Sert au ajutat la finanțare strângând banii necesari.

Paris aplaudă: publicul în extaz

Baletul Diaghilev ajunge la Paris în aprilie 1909. Scena celebrului Teatru Châtelet a fost închiriată pentru spectacole. La sosire s-au demarat lucrările de pregătire a teatrului pentru primirea de noi spectacole și decor:

• scena a fost mărită;
• interior actualizat;
• cutii sunt aranjate în tarabele.

Ultimele repetiții aveau loc. Timpul, dorința și oportunitatea au coincis. MihaiFokine și-a introdus propriile idei de coregrafie în balet, care corespundeau ideilor lui Diaghilev.

Repertoriul anului 1909 a inclus cinci balete puse în scenă de coregraful începător Mihail Fokin:

• „Pavilionul Armida” este o reprezentație într-un act și trei acte; scenariul și designul bazat pe acesta au fost scrise de Alexander Benois, muzica de Nikolai Tcherepnin; rolul lui Madeleine și Armida a fost interpretat de V. Coralli, Viconte de Beaugency de M. Mordkin; Sclavul lui Armida a fost dansat de V. Nijinsky.
• „Dansurile Polovtsiene” este partea de balet a operei „Prințul Igor” pe muzica lui Borodin, când fragmentul de balet a luat forma unui spectacol independent de 15 minute; scenografie de N. Roerich, interpreții Adolf Bolm, Sofya Fedorova a 2-a, solistă a Teatrului Mariinsky E. Smirnova.
• „Feast” este o diversiune către muzica dansurilor naționale compuse de compozitori ruși - mazurca lui Glinka, „Gopak” de Musorgski, marșul lui Rimski-Korsakov din „Cocoșul de aur”, lezginka lui Glinka, șarda lui Glazunov; „Feast” a completat spectacolul baletului rusesc al lui Diaghilev, iar scopul acestuia a fost acela de a arăta publicului întreaga trupă în cele mai spectaculoase și caracteristice dansuri. Sărbătoarea s-a încheiat cu un fragment furtunos din Simfonia a doua a lui Ceaikovski. Toate vedetele au dansat padekatre împreună, a fost un triumf pentru artiști.

Sequel genial

Primele trei spectacole au fost prezentate pe 19 mai, iar pe 2 iunie 1909 au avut loc premierele spectacolelor: „Silfele” și „Cleopatra”.

Spectacolul baletului „La Sylphides” sau „Chopiniana” a avut loc cu participarea TamareiKarsavina, Anna Pavlova, Alexandra Baldina, Vaslav Nijinsky pe muzică din lucrări de Chopin, aranjate de D. Gershwin, orchestrate de A. Glazunov, A. Lyadov, S. Taneyev, N. Cherepnin.

Costumele au fost concepute de Leon Bakst pe baza litografiilor balerinei italiene Maria Taglioni, faimoasă în secolul al XIX-lea ca Silfa.

Reprezentația a fost primită cu entuziasm, iar pictura de Serov, bazată pe impresiile spectacolului cu imaginea Annei Pavlova, va deveni timp de mulți ani semnul distinctiv al baletului lui Diaghilev.

„Cleopatra”

Performanța bazată pe povestea lui Theophile Gauthier a suferit o modernizare semnificativă. Mihail Fokin a introdus în noua ediție muzicală, pe lângă muzica lui Arensky, lucrări de Glazunov, Rimsky-Korsakov, Lyadov, Cherepnin. Rezultatul este un sfârșit tragic cu dansuri care exprimă adevărata pasiune și durere.

Leo Bakst a creat schițe pentru scene și costume noi. Magia Egiptului Antic, muzica și dansatorii au justificat pe deplin așteptările publicului cu spectacolul neobișnuit.

Acțiunea s-a petrecut în curtea templului între statuile roșii ale zeilor, pe fundal erau magnificele ape strălucitoare ale Nilului. Publicul a fost captivat de senzualitatea și expresivitatea producției și de protagonista Ida Rubinstein.

Pe fotografie: baletul rusesc al lui Diaghilev, tabloul lui L. Bakst pentru dansul celor „șapte voaluri” ale Cleopatrei.

Renumitul scriitor și dramaturg francez Jean Cocteau a scris că se poate caracteriza pe scurt baletul rusesc al lui Diaghilev astfel: „Acestasărbătoare peste Paris, strălucind ca „carul lui Dionysos.”

Deci este gata și genial.

Treburi și stil

Au fost multe succese, suișuri și coborâșuri pe drumul anotimpurilor lui Diaghilev. Dar era un organism viu în continuă dezvoltare. Dorința de ceva nou, căutarea artei fără precedent - acestea sunt rezultatele marelui impresar.

Serghei Leonidovici Grigoriev, directorul permanent și administratorul trupei, credea că baletele lui Diaghilev s-au dezvoltat tot din influența coregrafilor.

Lista coregrafilor care au creat noi etape în dezvoltarea artei baletului:

• Timpul creativității în întreprinderea lui M. M. Fokin, care începe în 1909 și continuă până în 1912, tot cu participarea sa, au fost create producții din 1914. Mikhail Fokin a reușit să schimbe coregrafia clasică, să evidențieze părțile de balet masculin ca forme noi de dans și să îmbogățească plasticitatea dansului.
• A doua perioadă în dezvoltarea „baletului rusesc” sunt anii lucrării lui V. F. Nijinsky, din 1912 până în 1913, 1916. Este greu de subestimat experiența unui dansator și coregraf în încercarea de a crea un nou balet plin de sentimente, emoții și tehnică uimitoare.

Baletul Dyagilev, fotografie a solistului și coregrafului Vaslav Nijinsky.

• Următoarea etapă în introducerea inovațiilor în arta baletului a fost perioada lucrării lui L. F. Myasin în trupa Diaghilev și acoperă perioada 1915-1920, 1928. Myasin, dezvoltând tradițiile lui Fokine, a complicat pe cât posibil modelul de dans, introducândlinii întrerupte, pretenție și rafinament al mișcărilor, creând în același timp propriul stil unic.
• A patra etapă de dezvoltare pe calea dezvoltării baletului rusesc al lui Diaghilev a fost perioada de creativitate a lui Bronislava Nijinska, începând din sezoanele 1922 - 1924 și 1926. Acesta este timpul stilului neoclasic al baletului.
• Și, în sfârșit, a cincea etapă de dezvoltare sunt anii de lucru cu Diaghilev George Balanchine din 1924 până în 1929. Anii în care coregraful a reușit să stabilească noi forme ale secolului XX, ideile baletelor simfonice, ideea primatului expresiei asupra intrigii.

Totuși, indiferent cine a fost regizorul, Baletul Rus al lui Diaghilev și-a păstrat libertatea de căutare, a fost un simbol al soluțiilor avangardiste și inovatoare în artă, o premoniție a tendințelor vremurilor.

Timp de decenii el va rămâne o pasăre de foc necapturată, liberă și râvnită.

O poveste populară sau un nou triumf al baletului lui Diaghilev la Paris

Vorbind despre motivele de basm care alcătuiesc multe intrigi de spectacole puse în scenă pe scenele Franței, nu putem decât să ne amintim de cea mai de succes premieră din 1910.

Aceasta este o producție pe tema poveștii Păsării de Foc, a cărei idee a fost alimentată de Mihail Fokin multă vreme. La început Liadov a primit ordin să scrie muzică, dar din moment ce nu a început să o scrie nici după trei luni, Diaghilev a decis să apeleze la Stravinski, pe care îl considera noul geniu al muzicii rusești.

Compozitorul, coregraful și artistul au lucrat strâns împreună în procesul de creare a baletului, ajutându-se reciproc, împărtășind sfaturi creative. A fost o uniune care a dat scenei un nou balet, amestecat cu pictura modernistă,folclor și muzică de avangardă. Peisajele superbe ale lui Alexander Golovin l-au dus pe spectator într-o lume de basm.

Unicitatea a fost că noul balet al lui Diaghilev, costumele pentru acesta erau decorate cu aur și bijuterii, brodate cu ornamente populare și blană.

În rolurile principale: T. Karsavina - Firebird, Mikhail Fokine - Ivan Tsarevich, V. Fokina - Princess, A. Bulgakov - Koschei.

Datorită baletului „Pasărea de foc” lumea l-a cunoscut pe marele compozitor rus Igor Stravinski, care în următorii 18 ani va colabora cu Diaghilev și va crea o muzică cu adevărat uimitoare pentru baletele „Petrushka”, „Ritul lui”. Primăvara și altele.

Baletul lui Dyagilev: pasăre de foc, design de costume pentru balet, artistul L. Bakst.

Eșecul scandalos al „Paradei”

Ca orice mare artist, Diaghilev a subordonat totul ideii de inovație, nu se temea să fie „prematur”, să meargă împotriva curentului.

Multe spectacole de balet au fost uneori atât de avangardiste în muzică, coregrafie sau pictură încât au fost înțelese greșit de public, iar semnificația lor a fost apreciată mult mai târziu.

Așa a fost și cu eșecul scandalos al premierei de la Paris a filmului „Sărbătoarea primăverii” pe muzica lui Stravinski, cu coregrafia revoltătoare a „Faun” de Nijinsky, prima reprezentație a baletului „Parada” aștepta eșecul.

Baletul a fost pus în scenă în 1917. În contextul spectacolului, cuvântul „paradă” însemna o invitație adresată lătrătorilor și bufonilor cinști înaintea spectacolului, invitândpublicul în cabina de circ. Sub formă de reclame, au arătat publicului mici fragmente din spectacolul care îi așteaptă.

Acesta este un balet într-un act pe muzică de Enrique Satie, scenograful și designerul de costume Pablo Picasso, scenariul scris de Jean Cocteau, coregraful Leonid Myasin.

Pe fotografie: costume pentru baletul „Parada”, Diaghilev cu o nouă producție la Paris.

Unele costume cubiste ale lui Picasso le permiteau dansatorilor doar să se plimbe pe scenă sau să facă mișcări minore.

Publicul parizian a considerat cubismul o creație germană în artă. Și de când se desfășura Primul Război Mondial, spectacolul a fost perceput ca o batjocură și o provocare. Publicul a strigat „La naiba boshi!” și s-a repezit în luptă spre scenă. În presă, Baletul Rusiei a fost declarat aproape trădători ai ideilor de libertate.

În ciuda primei reprezentații scandaloase, acest balet a devenit o piatră de hotar de tranziție în arta secolului XX, atât în muzică, cât și în pictura scenă. Iar muzica ragtime a lui Sati a fost adaptată ulterior într-un solo la pian.

Ultimul tur și câteva fapte interesante din viața baletului rusesc

Sergei Diaghilev este considerat pe drept unul dintre fondatorii show business-ului rusesc. Nu numai că a întruchipat toate tendințele vremii pe scenă, dar a deschis calea pentru noi tehnici și stiluri la alte niveluri: în pictură, muzică, artele spectacolului.

„Anotimpurile sale rusești” încă inspiră oamenii creativi să găsească noi modalități de exprimare artistică a timpului.

Realizări speciale și fapte despreBaletul Rusesc Diaghilev:

• Au fost 20 de „Anotimpuri rusești” în total, în care a fost implicat baletul. Deși inițial Diaghilev nu plănuia să includă spectacole de balet în programul concertelor.
• Pentru punerea în scenă a numărului de balet de opt minute „After-noon of a Faun”, V. Nijinsky a condus un total de nouăzeci de repetiții de dans.
• S. Diaghilev era un colecționar pasionat. În 1929, a dobândit scrisori de la A. Pușkin adresate lui N. Goncharova în colecția sa. I-au fost predați înainte de a pleca într-un tur al Veneției. Impresarul a întârziat la tren și a amânat pentru o vreme citirea scrisorilor după încheierea turului, punând în seif raritățile de colecție. Dar nu s-a întors niciodată de la Veneția.
• Ultimele care l-au văzut pe Diaghilev au fost Misya Sert și Coco Chanel. Au venit să-l viziteze în timpul bolii sale. Au plătit și înmormântarea lui, deoarece Diaghilev nu avea bani la el.
• Monumentul lui Diaghilev din partea ortodoxă a cimitirului San Michele este gravată cu o frază scrisă de marele impresar cu câteva zile înainte de moartea sa: „Veneția este inspiratorul constant al liniștirii noastre.”
• Igor Stravinsky și Joseph Brodsky sunt îngropați lângă mormântul lui S. Diaghilev.